Уголок Италии в Корпусе Бенуа

Среди мастеров — Александр Риццони, Василий Смирнов, Матвей Чижов, Владимир Беклемишев, Степан Бакалович, Александр и Павел Сведомские, Федор Бронников, Павел Чистяков. Выставка отличается большой разноплановостью и невероятно богатой цветовой палитрой: помимо привычных для образа Италии теплых, солнечных красок, здесь можно увидеть и тусклые, монохромные полотна с печальной ноткой. Мастера стремились охватить все жанры: пейзаж, натюрморт, историческую и мифологическую живопись и, разумеется, портрет.

В транспортировке картин и скульптур, разработке дизайн-проекта и оформлении выставки музею оказал поддержку Благотворительный фонд «Система», который уже много лет занимается инвестициями в развитие Государственного Русского музея. Глава фонда, Анна Янчевская, назвала поддержку культуры посредством новых технологий и популяризацию художественного наследия одним из приоритетов деятельности «Системы».

В первых залах можно ознакомиться с работами художников, которые жили и работали в Риме во второй половине XIX века. Это было связано с тем, что система обучения в Академии художеств и ее основные ценности были неразрывно связаны с образцами итальянской и античной классики как ядра искусств, преподаваемых в европейских академиях. Любой ученик академии мечтал попасть в Рим после завершения учебы.

В то время в вечном городе работали колонии живописцев из разных стран. Некоторые из них занимались творчеством уже не для академий, а для частных заказчиков, и приезжали на средства, которые давали меценаты. Это подстегивало конкурентный дух, способствовало развитию камерной живописи, которая была ориентирована на массовые предпочтения и в то же время давала возможность найти свой неповторимый почерк.

Одним из первых от Академии художеств приехал в Италию Федор Бронников, который впоследствии проработал в Риме более сорока лет. Затем, в 1860-е годы, к колонии присоединились Чистяков, Риццони и Василий Верещагин. С этих мастеров началось развитие социальной темы в итальянской живописи, которая до этого в основном была ограничена пейзажами, живыми уличными сценками и абстрактными человеческими образами.

Новаторы обратили внимание на простой народ, уличные типажи, гарибальдийское движение, жизнь диаспор. Появились также мотивы антиклерикальных настроений, которые, правда, в основном сосредотачивались на внешней стороне жизни католической церкви и высокопоставленного духовенства.

На выставке можно увидеть много выразительных женских портретов, отличающихся той экспансивностью, с которой северные народы привыкли ассоциировать итальянцев. Их портреты выглядят говорящими, а эмоции по-настоящему ощутимы. Есть также детские и семейные изображения, картины языческого культа, пиршеств и оргий — художники показывают яркость жизни во всех ее гранях.

В 1870-е годы, когда появилось Товарищество передвижников, идеалы стали смещаться — художники начали больше интересоваться современностью и своей индивидуальностью, чем классикой и каноническими образцами. Их стал больше привлекать Париж, в то время как Рим обрел репутацию города-музея, лишенного жизни.

Это было отчасти справедливо, так как процесс объединения Италии вызвал значительную отсталость в плане современного искусства, и она на тот момент объективно не могла быть законодателем и донором новых идей. Но прекрасная природа, обилие света и аутентичные образы оставались при ней, поэтому сторонники «чистого искусства» оставались ей верны. В этом ряду выделялись Генрих Семирадский, Вильгельм Котарбинский, Павел Ковалеский и Степан Бакалович.

У каждого из них свой стиль и свои фундаментальные ценности: у Ковалевского это громада и вечность древних городов, у Бакаловича — отсылки к египетским и греческим мотавам, у Котарбинского — тяготение к стилистике декоративного панно. Затем членами колонии стали братья Сведомские, чьим основным интересом были провокационные и жестокие сюжеты из мифологии, библейских текстов и истории Рима.

Однако по мере заката столетия академическая школа все неизбежнее теряла свое влияние на мировой художественный процесс, и в 1890-е годы приоритеты Академии художеств были кардинально изменены. К началу нового века колония русских мастеров в Риме окончательно распалась. Однако в 1908 году было создано «Общество поощрения молодых художников в Риме», ознаменовавшее эпоху неоклассического искусства, в котором красоте и колоритности Италии вновь нашлось место.

Творчество Генриха Семирадского на выставке выделяется особо. Его личность является ярким примером академического художника-европейца и космополита, тем более что она формировалась на стыке русской и польской культур. Художник с юности интересовался древней историей и естественными науками, поэтому его полотна так точны. Первой его многофигурной картиной была «Римская оргия блестящих времен цезаризма» в 1872 году.

Свою активную творческую жизнь он провел в Риме, где научился эстетическим принципам, объединявшим монументальность с декоративизмом. Мастера волновала тема конфликта христианства с язычеством, отраженная в картине «Грешница».

Также стиль Семирадского отличается внедрением пленэрных элементов в исторические и античные композиции. Художник предпочитал мечтательную, неторопливую, идиллически красивую картину мира, далекую от политических и социальных процессов, овеянную духом вечности и солнечным светом. Такова его самая знаменитая картина «Фрина на празднике Посейдона в Элевзине» 1889 года, воспевающая красоту солнца, моря и народа. Поэтому его любила публика и осуждала демократическая критика нового времени.

В новом столетии, которое резко взяло курс на авангард и решило, что в стремительных и жестких реалиях нет места лирике, художника стали забывать, многие его работы были утеряны или разбросаны по частным коллекциям во всем мире. Но к концу XX века его творчество вновь стало высоко цениться, и экспозиция в Русском музее призвана внести свой вклад в осознание истинной значимости классической живописи.

Открытием выставки стала работа Вильгельма Котарбинского «Оргия», которая почти 100 лет пролежала в запасниках Русского музея, заклеенная грубой оберточной бумагой и накатанная на вал. Благодаря уникальным реставрационным работам, длившимся больше полугода, великолепное живописное произведение было спасено от разрушения, и сегодня мы можем видеть его во всей красе на экспозиции. «Оргия» стала открытием не только для публики, но и для музейного сообщества, ведь даже в генеральном каталоге Русского музея данная работа была представлена в черно-белой фотографии начала 1900-х годов.

В новом фильме Русского музея «Вильгельм Котарбинский. Искусством … мечтать» научные сотрудники и мастера рассказывают об этапах реставрации работы «Оргия», а также о том, как создавалась выставка о русских художниках середины XIX — начала XX века, чья жизнь и творчество были тесно связаны с Италией. Вместе со съемочной группой зритель попадет в реставрационные мастерские Русского музея и станет участником большой подготовительной музейной работы, которая, как правило, всегда остается «за кадром» музейной экспозиции.

На выставке можно будет воспользоваться приложением для смартфонов Artefact с эффектом дополненной реальности.

Людмила Семенова

Фотографии с выставки смотрите на сайте «Петербургский авангард».